Anita Molinero
Anita Molinero
Anita Molinero
Née en 1953 à Floirac
Vit et travaille à Paris
Présentation
Issue de l'École supérieure des Beaux-Arts de Marseille, Anita Molinero compose, pendant ses années punk, ses premières sculptures en faisant se rencontrer des objets et des matériaux de récupération.
« Pendant mes études aux Beaux-Arts, je peignais, mais je n'étais pas très douée pour la sculpture et la technique. Je me suis alors dit que l'inconnu de l'art devait certainement passer par la confrontation à celles-ci. C'était un petit manifeste très privé, fait de négations, portant sur les conditions que l'on se donne pour arriver à faire quelque chose qui soit suffisamment nouveau et devienne un jour une création. (...) J'ai fait alors des montages de petits cartons que je vernissais après coup avec de la colle à papier peint puis que je montais sur n'importe quoi ou encore des sacs poubelles que je remplissais de plâtre et que je travaillais avec une gouge à bois ».
Elle choisit ensuite d'apporter aux formes la puissance de l'irréversibilité du geste et pour cela adopte le plastique et une série de matériaux toxiques qu'elle coupe, brûle, lacère, sculpte.
«(...)Depuis 1995, j'adore travailler le polystyrène qui me rappelle des matériaux pérennes comme le bronze car tu ne t'en débarrasses pas. (...) J'arrête avant l'informe et parfois la pièce est terminée avant d'être commencée. La sculpture doit rester forme et ne pas aller dans l'informe ».
Déjà en 1994 elle participait au côté de Franck Stella, John Chamberlain, Robert Grosvenor, Carel Visser et Nancy Rubins à l'exposition Country sculpture au Consortium de Dijon.
Le FRAC Limousin en 2002, le MAMCO à Genève en 2006, le FRAC Alsace, le FRAC Haute Normandie en 2009, le Consortium de Dijon en 2014 et récemment le Museo Ettore Fico à Turin lui ont consacré des expositions personnelles.
En 2008 elle expose à côté de Cady Noland, Steven Parrino et Kelley Walker au Centre d'Art Contemporain Le Spot, au Havre. En 2012, elle a été choisie pour créer la
station de la porte de la Villette sur la ligne 3b du tramway d'Île-de-France.
En avril 2015 elle obtient le prix résidence de la Fondation Salomon à New York.
Ses oeuvres font partie d'importantes collections publiques.
Née en 1953 à Floirac
Vit et travaille à Paris
Présentation
Issue de l'École supérieure des Beaux-Arts de Marseille, Anita Molinero compose, pendant ses années punk, ses premières sculptures en faisant se rencontrer des objets et des matériaux de récupération.
« Pendant mes études aux Beaux-Arts, je peignais, mais je n'étais pas très douée pour la sculpture et la technique. Je me suis alors dit que l'inconnu de l'art devait certainement passer par la confrontation à celles-ci. C'était un petit manifeste très privé, fait de négations, portant sur les conditions que l'on se donne pour arriver à faire quelque chose qui soit suffisamment nouveau et devienne un jour une création. (...) J'ai fait alors des montages de petits cartons que je vernissais après coup avec de la colle à papier peint puis que je montais sur n'importe quoi ou encore des sacs poubelles que je remplissais de plâtre et que je travaillais avec une gouge à bois ».
Elle choisit ensuite d'apporter aux formes la puissance de l'irréversibilité du geste et pour cela adopte le plastique et une série de matériaux toxiques qu'elle coupe, brûle, lacère, sculpte.
«(...)Depuis 1995, j'adore travailler le polystyrène qui me rappelle des matériaux pérennes comme le bronze car tu ne t'en débarrasses pas. (...) J'arrête avant l'informe et parfois la pièce est terminée avant d'être commencée. La sculpture doit rester forme et ne pas aller dans l'informe ».
Déjà en 1994 elle participait au côté de Franck Stella, John Chamberlain, Robert Grosvenor, Carel Visser et Nancy Rubins à l'exposition Country sculpture au Consortium de Dijon.
Le FRAC Limousin en 2002, le MAMCO à Genève en 2006, le FRAC Alsace, le FRAC Haute Normandie en 2009, le Consortium de Dijon en 2014 et récemment le Museo Ettore Fico à Turin lui ont consacré des expositions personnelles.
En 2008 elle expose à côté de Cady Noland, Steven Parrino et Kelley Walker au Centre d'Art Contemporain Le Spot, au Havre. En 2012, elle a été choisie pour créer la
station de la porte de la Villette sur la ligne 3b du tramway d'Île-de-France.
En avril 2015 elle obtient le prix résidence de la Fondation Salomon à New York.
Ses oeuvres font partie d'importantes collections publiques.
Anita Molinero : un manifeste privé
Entretien réalisé par Alain Berland et Valérie Da Costa
Paru dans Particules n°22, Décembre 2008 / Janvier 2009
Eviter la virtuosité, la facilité ou encore le commentaire, voilà le programme très peu commun que s'est fixé dès le début de son travail Anita Molinero. Un projet qu'elle mène avec obstination depuis trente ans pour construire une oeuvre qui n'a pas d'aquivalent sur la scène artistique française.
"Pendant mes études aux Beaux-Arts, je peignais, mais je n'étais pas très douée pour la sculpture et la technique. Je me suis alors dit que l'inconnu de l'art devait certainement passer par la confrontation à celles-ci. C'était un petit manifeste très privé, fait de négations, portant sur les conditions que l'on se donne pour arriver à faire quelque chose qui soit suffisamment nouveau et devienne un jour une création. Je ne voyais pas comment faire autrement au début des années 80, une période où l'on était envahi par l'art conceptuel du genre « trois écritures au crayon sur un mur ». Une forme d'art qui se présentait comme impersonnelle, mais que je trouvais paradoxalement très narcissique. Je voulais faire le contraire des conceptuels : prendre des outils sans savoir à quoi ils servent tout en les utilisant avec précision. J'ai fait alors des montages de petits cartons que je vernissais après coup avec de la colle à papier peint puis que je montais sur n'importe quoi ou encore des sacs poubelles que je remplissais de plâtre et que je travaillais avec une gouge à bois. Je me rappelle qu'à l'époque les conditions artistiques étaient aussi celles de la post-modernité, de la défaite des idoles. Moi, je ne croyais pas à la forme, ni à son contraire, c'est-à-dire à la culture du message. J'ai rapidement trouvé des relais auprès d'Yves Michaux qui m'a fait connaître David Hammons. Mais ce dernier avait une culture de la minorité que je n'avais pas, sauf si on admet que la somme des conventions des normalités fait minorité pour l'art, c'est-à-dire je suis mère de famille, je suis prof, je vis en province... Une situation qui fait minorité pour le milieu de l'art.
EVITER LE COMMENTAIRE
C'est par élimination que j'ai fini par appeler sculpture ce que je fais. Il n'y avait pas d'autre choix. Je ne voulais pas nommer cela « art » ou « installation ». Je trouve formidable la phrase de Boris Groys dans son livre Le Post-scriptum communiste qui dit que l'art qui ressemble à de l'art ne peut pas être de l'art. Pour moi, tout l'art du commentaire dans lequel on est actuellement m'emmerde. Beaucoup d'artistes ne font qu'interpréter et revisiter avec des petites nuances. C'est de l'art qui ressemble à de l'art et puisqu'il a déjà été de l'art, il s'en éloigne forcément. Alors, quelle est la partie de non art dans ce que je fais ? Pour les poubelles par exemple, les gens me disent que cela ressemble trop à des poubelles. Non. Elles sont des poubelles, elles ne peuvent ressembler qu'à ce qu'elles sont ; c'est ça ma garantie. Je tiens à ce qu'on les reconnaisse, c'est significatif de quelque chose qui est la poubelle et pas de l'art.
Je me suis protégée de l'art du commentaire ou du projet en utilisant très peu d'idées. Je n'ai pas de projet pour mes expositions. Je sais avec quoi je veux travailler, mais pas quelles sculptures cela va donner. J'improvise en faisant les sculptures sur place. Je découvre ainsi soixante pour cent du travail en le faisant. C'est toujours un risque, mais je ne veux pas faire autrement. Le plus difficile, c'est d'arrêter le geste avant que la pièce ne devienne une flaque, de la lave ou son propre commentaire. Cela doit rester identifiable. J'arrête avant l'informe et parfois la pièce est terminée avant d'être commencée. La sculpture doit rester forme et ne pas aller dans l'informe. J'ai tout tripoté. J'ai fait des petites terres avec des cartons, mais je me suis
aperçue que j'allais dans l'informe, dans la complaisance du geste, du « beau geste ». J'ai alors cessé car je trouvais cela trop curieux et précieux. Je voudrais refaire des petites sculptures, ce que j'appelle des sculptures de cheminée un peu venimeuses. J'en ai réalisées pendant vingt ans, mais je crains de ne pas réussir à retrouver le charme. J'aimerais qu'elles aient la force de mes grosses sculptures, mais c'est difficile car je travaille à l'échelle 1, sans réduction ni agrandissement. Or, « le petit » nous
attendrit. C'est rapidement une sculpture « doudou » à échelle 1. « Le petit », c'est vite «rien» et je me méfie de ce « rien » magnifié.
Je travaille depuis quatre ans avec deux assistants, mais je ne délègue pas. Ils sont là et j'y suis aussi. Je tourne autour de la pièce et je donne les consignes que souvent ils anticipent car on se comprend très bien. Je fonctionne sans dessin, après toutes ces années, le stock d'images est dans ma tête et les indications passent par la langue. C'est une langue très imagée et très sexuelle. Je leur dis : « Alors, vous me faites des bites ». C'est très codé, c'est le langage de l'atelier, de l'action à mener (pas celui de l'exposition). En sculpture, depuis toujours, on parle de défonce. Je préserve ma sculpture en empruntant parfois la voie du ratage. Lorsque je trouve qu'une sculpture n'est pas réussie, je la jette, mais en même temps, j'ai un peu peur de ce geste.
SE FAIRE VIOLENCE
J'ai détruit quinze ans de création, ce qui a peut être été un avantage, mais dur à vivre. La dernière sculpture porte probablement toutes les autres. J'ai manqué de « professionnalisme » en archivant très peu ou mal mon travail. Depuis quelques années, on s'en occupe à ma place. J'accepte le procédé. Parfois, j'ai l'impression que ce que je pensais avoir raté ou réussi n'est qu'un rêve, une projection fantasmatique. Si on me dit que mon art est masculin, c'est tout simplement parce qu'il n'est pas féminin.
Quand la scène artistique s'est ouverte aux femmes, elle s'est engagée avec la complicité des hommes sur la voie de l'intimité et des représentations féminines. Cet aspect ne m'intéresse pas. Mon art n'est pas masculin comme par exemple celui de Dewar & Gicquel, il ne se sert pas des attributs du masculin, des activités comme la boxe, la batterie, la pêche. Mais si on veut, on peut dire que ma sculpture est virile. La confrontation à la matière y est directe et violente. Mon grand modèle est Rodin, je trouve extraordinaire les orbites des yeux du Balzac, c'est la première grande sculpture moderne. C'est vrai qu'il y a peu de femmes sculpteurs qui se confrontent aussi violemment à la matière. Parfois j'ai envie de citer d'autres artistes que j'admire comme Bernard Réquichot ; je le contiens, mais je ne le cite pas. Ce n'est pas pareil de contenir un artiste, de le commenter, ou de le citer. Commenter implique une distance que je ne veux pas avoir, et lorsque je la perçois chez les autres ça m'ennuie profondément. C'est précisément de l'art qui ressemble à de l'art. J'essaie de faire de l'art qui sorte de l'entre-soi tout en refusant de faire quelque chose qui séduit le public, qui devienne un « procès au monde ». Ce n'est pas évident, mais cela laisse beaucoup de place à l'objet. Je ne supporte pas la énième peinture minimaliste un peu écornée. C'est un plaisir d'érudition. Quel choix possible y a-t-il en dehors de cela ? Celui de l'action politique qui positionne le spectateur, mais ça, ça ne m'intéresse pas non plus. Je suis persuadée que l'art doit contenir du politique, mais pas s'en servir. J'ai des préoccupations qui ne sont pas forcément des « opinions » sur mon époque. Je nomme souvent mes pièces a posteriori, et quand je les qualifie de « post-Tchernobyl », c'est de manière rétroactive. Maintenant, je donne des titres à mes sculptures, mais le titre a longtemps été l'objet d'une réflexion car titrer les œuvres par un concept, c'était leur enlever beaucoup de leur qualité énergétique. C'était les encadrer, les précéder. C'était aussi trop présent. J'ai donc évacué cela. Et puis une sculpture en donne une autre. Je me suis dit qu'un titre devait avoir la force d'un prénom. Finalement, je les ai peu à peu appelées par ce qui est l'équivalent d'un prénom, qui n'a aucun sens s'il n'est pas porté. Elles ont d'ailleurs des titres que j'oublie la plupart du temps. Pour les plots de chantier, je prends le nom de l'entreprise que je détourne et améliore. Cela part aussi de fautes de frappe, de défauts de prononciation. Ce sont des noms de baptême, mais j'ai mis du temps à les trouver. Les poubelles sont les seules à ne pas avoir de titres car j'aime dire « les poubelles », « Tiens on ressort les vieilles poubelles ».
TRAVAILLER AVEC DES MATÉRIAUX ORDINAIRES
Je ne crée pas par série. Je dirais plutôt qu'il y a des genres sur lesquels je reviens. Depuis 1995, j'adore travailler le polystyrène qui me rappelle des matériaux pérennes comme le bronze car tu ne t'en débarrasses pas. Dans les années 90, ce n'était pas bien reçu de travailler ce genre de matériau car l'art qui circulait et se vendait, peut-être, était, paradoxalement, un art de l'éphémère qui avait les qualités de la précarité, mais avec une plus-value symbolique. Pourtant, quand on adore une pièce de Filliou faite d'un balai et d'un seau, c'est aussi précaire et mélancolique qu'un polystyrène avec des chaînes de vélo. Le vide visuel est peut-être plus difficile à saisir. Il faut donc construire un mythe autour de cela. Lors d'une exposition à Tours, un collectionneur m'a insulté en voyant mon travail. Ce jour-là, j'ai compris pourquoi je faisais de la sculpture. On peut mettre n'importe quoi sur une toile, les gens ne sont quasiment pas choqués car le cadre est fixé, mais ce pauvre objet (c'étaient deux plots de chantier) que je présentais, et qui n'avait en soi aucune signification violente, ne pouvait pas être regardé car il était lui-même violent. Le tableau est toujours possible alors que la sculpture se situe plutôt du côté de l'impossible, du difficile sans doute parce que du côté du réel. La présence du contemporain se situe selon moi dans la sculpture et j'ai toujours cherché intervenir sur la matière. Le ready-made reste à mon sens un moment de génie et comme tout moment de génie, il est inutile de le reproduire. Tous ces artistes qui refont cela aujourd'hui, c'est une plaisanterie. J'appelle cela de « l'art loisir et création ». Lorsqu'on va voir les readymades de Duchamp, on a vraiment besoin de fétichisme sinon on ne les regarde pas. On fait un petit pélerinage pour voir une relique. Et là, on se rend compte de l'ampleur du montage (celui du musée) comme quand on va voir une relique avec tout ce que cela comporte. La relecture du ready-made de Duchamp n'a donc même pas la pauvreté, l'audace de la relique. Duchamp, lui, était très juste dans ses choix. Il ne s'est pas trompé. J'ai appris avec Duchamp, mais j'ai compris avec Degas (la danseuse) qui tout de même habille un bronze excrémenteux d'un jupon de tulle. C'est en regardant des films de science-fiction comme Terminator que j'ai vu la sculpture que je faisais. Le mur de Vénilia vient de là ; c'est le passage du liquide au solide. C'est du morphing fait à la maison ! En faisant les poubelles, j'ai pensé aux Aliens. La science-fiction se situe pour moi dans la poubelle, c'est une science-fiction organique, pas technologique. Je pense que je fais une oeuvre qui se répète. Les poubelles, par exemple, j'en ferai toute ma vie. C'est un peu comme Rodin qui a fait toute sa vie les mêmes gestes avec des sujets différents. La répétition, ce n'est pas la même chose que de faire systême. Je ne pourrai jamais faire d'environnements contrairement à Jessica Stockholder qui est une artiste de la conquête. Moi, je suis une artiste du sillon, je creuse ce que je fais. J'aime la démesure et je n'aime pas les choses installées qui donnent un aspect petit-bourgeois. Je veux travailler avec des matériaux ordinaires, toujours trouvables à côté de chez soi. J'ai récemment réalisé des sculptures avec une table d'accouchement, des déambulateurs et des fauteuils roulants. Ce sont des objets qui nous laissent sur place. Ils nous sidèrent et nous obligent à nous fixer. Ils s'opposent à la fluidité, à la rapidité. Par rapport à l'unité de la sculpture, leurs mesures ergonomiques sont justes. Et puis la vieillesse, c'est probablement le prochain âge créatif et obscène. La psychanalyse, comme l'art, fait apparaître ou disparaître des diagnostics, des comportements. Lorsque je parle d'hystérie à propos de mon travail, c'est à travers des rencontres, des coïncidences intellectuelles. Je me suis demandé quelle était la figure la plus appropriée à l'art que je faisais, et l'hystérie m'a fascinée car on dit que c'est un état qui pousse hors de soi. Elle n'est plus trop évoquée aujourd’hui, mais ses anciennes représentations montrent des corps figés s'apparentant à de la pierre. C'est pour cela que j'aime faire cette analogie. Je fige de l'énergie, il faut donc que ça sorte de soi, que ce soit jubilatoire.
CHAMP DES REFERENCES ?
Mon champ de références est planté d'un cimetière avec des disparus, des fantômes et d'un supermarché. Du vivant, des morts et des esprits. Le point commun entre ces espaces est le rangement dans les allées pour le cimetière, dans les rayons pour le supermarché. Dans les disparus qui me laissent dormir en paix : une sculpture de Fontana, une danseuse de Degas avec tutu par exemple. Dans la série fantômes qui me hantent : des feutres de Morris, une boule tricotée par R. Truckel, une belle chatte de Séchas, un tableau de Mondrian avec un fond bleu "de Delft" et de l'adhésif de couleur. La rencontre de la pauvreté et de la jubilation dans l'œuvre d'Oïticica. Manzoni fut pour moi une figure fascinante et dynamique dont j'ai cru longtemps envier l'avant-gardisme insolent que j'aurais voulu posséder comme on convoite une qualité naturelle injustement inaccessible. Je me suis aperçue, il y a peu de temps que c'était "le coton, les effets bandes Velpeau" le catholique enfantin et mauvais jouant avec les matériaux de la crèche qui m'intéressait chez Manzoni. Il fait partie désormais des disparus. Les fantômes sont des œuvres aux contours flous des parties détachées du tout, ça peut aller de cette matière blanche légèrement rugueuse et matte de la chatte épanouie de Séchas à un rideau éclatant de F. Gonzalez Torres. Dans la série du supermarché, je me sers, je consomme sans souci de traçabilité ; des films. Bernadette Lafond et sa cabane, pute amoureuse d'un bouc dans la fiancée du pirate, la collectionneuse idéale pour une de mes séries de sculptures. Teminator 2 rencontre d'une séquence et du mur de Vénilia. Alien 3 car j'ai parfois l'impression qu'au fond de mes poubelles fondues, deux lueurs me regardent et essaient de m'attendrir de leurs éclats mouillés. Un peu de ketchup, un peu de mayonnaise et du chocolat un jour ou l'autre je ferai une sculpture avec ces 3 couleurs en pensant à Mac Carty et une couverture au crochet de M. Kelley ou des draps noués à la Cattelan que je pourrais utiliser pour attacher une sculpture ... Mais au fond existe-t'il un élément invariant qui aurait traversé les années et les formes ? Je me posais cette question, penchée sur un texte que j'avais écrit, du coup j'ai recherché des notes j'ai regardé des cartons d'invitation. J'ai réfléchi à ce refus entêté de donner des titres jusqu'à supprimer le "sans titre" convenu dans ce cas. Je me suis aperçue que le mot sculpture était toujours présent répété inlassablement sans aucun souci d'élégance (jamais de synonyme pour éviter la lourdeur) ni aucun sens de l'humour ou du jeu. Je me suis mis à l'observer, comme on regarde attentivement un objet sous tous ces angles en essayant d'en découvrir la fonction. Je l'ai tout d'abord découvert manuscrit et avec mon écriture : un "S" simplifié séparé du mot, c'est tout de même le "S" de sorcière, représentation épurée du serpent (qui siffle) ensuite il y a le mot "CULPTURE" divisé (en isolant CUL) par le "P" muet de père ou de Pénis. Et si ce choix de la sculpture souvent pénible à réaliser trouvait son référent et son aboutissement dans son nom, écrit par moi-même de préférence.
Entretien réalisé par Alain Berland et Valérie Da Costa
Paru dans Particules n°22, Décembre 2008 / Janvier 2009
Eviter la virtuosité, la facilité ou encore le commentaire, voilà le programme très peu commun que s'est fixé dès le début de son travail Anita Molinero. Un projet qu'elle mène avec obstination depuis trente ans pour construire une oeuvre qui n'a pas d'aquivalent sur la scène artistique française.
"Pendant mes études aux Beaux-Arts, je peignais, mais je n'étais pas très douée pour la sculpture et la technique. Je me suis alors dit que l'inconnu de l'art devait certainement passer par la confrontation à celles-ci. C'était un petit manifeste très privé, fait de négations, portant sur les conditions que l'on se donne pour arriver à faire quelque chose qui soit suffisamment nouveau et devienne un jour une création. Je ne voyais pas comment faire autrement au début des années 80, une période où l'on était envahi par l'art conceptuel du genre « trois écritures au crayon sur un mur ». Une forme d'art qui se présentait comme impersonnelle, mais que je trouvais paradoxalement très narcissique. Je voulais faire le contraire des conceptuels : prendre des outils sans savoir à quoi ils servent tout en les utilisant avec précision. J'ai fait alors des montages de petits cartons que je vernissais après coup avec de la colle à papier peint puis que je montais sur n'importe quoi ou encore des sacs poubelles que je remplissais de plâtre et que je travaillais avec une gouge à bois. Je me rappelle qu'à l'époque les conditions artistiques étaient aussi celles de la post-modernité, de la défaite des idoles. Moi, je ne croyais pas à la forme, ni à son contraire, c'est-à-dire à la culture du message. J'ai rapidement trouvé des relais auprès d'Yves Michaux qui m'a fait connaître David Hammons. Mais ce dernier avait une culture de la minorité que je n'avais pas, sauf si on admet que la somme des conventions des normalités fait minorité pour l'art, c'est-à-dire je suis mère de famille, je suis prof, je vis en province... Une situation qui fait minorité pour le milieu de l'art.
EVITER LE COMMENTAIRE
C'est par élimination que j'ai fini par appeler sculpture ce que je fais. Il n'y avait pas d'autre choix. Je ne voulais pas nommer cela « art » ou « installation ». Je trouve formidable la phrase de Boris Groys dans son livre Le Post-scriptum communiste qui dit que l'art qui ressemble à de l'art ne peut pas être de l'art. Pour moi, tout l'art du commentaire dans lequel on est actuellement m'emmerde. Beaucoup d'artistes ne font qu'interpréter et revisiter avec des petites nuances. C'est de l'art qui ressemble à de l'art et puisqu'il a déjà été de l'art, il s'en éloigne forcément. Alors, quelle est la partie de non art dans ce que je fais ? Pour les poubelles par exemple, les gens me disent que cela ressemble trop à des poubelles. Non. Elles sont des poubelles, elles ne peuvent ressembler qu'à ce qu'elles sont ; c'est ça ma garantie. Je tiens à ce qu'on les reconnaisse, c'est significatif de quelque chose qui est la poubelle et pas de l'art.
Je me suis protégée de l'art du commentaire ou du projet en utilisant très peu d'idées. Je n'ai pas de projet pour mes expositions. Je sais avec quoi je veux travailler, mais pas quelles sculptures cela va donner. J'improvise en faisant les sculptures sur place. Je découvre ainsi soixante pour cent du travail en le faisant. C'est toujours un risque, mais je ne veux pas faire autrement. Le plus difficile, c'est d'arrêter le geste avant que la pièce ne devienne une flaque, de la lave ou son propre commentaire. Cela doit rester identifiable. J'arrête avant l'informe et parfois la pièce est terminée avant d'être commencée. La sculpture doit rester forme et ne pas aller dans l'informe. J'ai tout tripoté. J'ai fait des petites terres avec des cartons, mais je me suis
aperçue que j'allais dans l'informe, dans la complaisance du geste, du « beau geste ». J'ai alors cessé car je trouvais cela trop curieux et précieux. Je voudrais refaire des petites sculptures, ce que j'appelle des sculptures de cheminée un peu venimeuses. J'en ai réalisées pendant vingt ans, mais je crains de ne pas réussir à retrouver le charme. J'aimerais qu'elles aient la force de mes grosses sculptures, mais c'est difficile car je travaille à l'échelle 1, sans réduction ni agrandissement. Or, « le petit » nous
attendrit. C'est rapidement une sculpture « doudou » à échelle 1. « Le petit », c'est vite «rien» et je me méfie de ce « rien » magnifié.
Je travaille depuis quatre ans avec deux assistants, mais je ne délègue pas. Ils sont là et j'y suis aussi. Je tourne autour de la pièce et je donne les consignes que souvent ils anticipent car on se comprend très bien. Je fonctionne sans dessin, après toutes ces années, le stock d'images est dans ma tête et les indications passent par la langue. C'est une langue très imagée et très sexuelle. Je leur dis : « Alors, vous me faites des bites ». C'est très codé, c'est le langage de l'atelier, de l'action à mener (pas celui de l'exposition). En sculpture, depuis toujours, on parle de défonce. Je préserve ma sculpture en empruntant parfois la voie du ratage. Lorsque je trouve qu'une sculpture n'est pas réussie, je la jette, mais en même temps, j'ai un peu peur de ce geste.
SE FAIRE VIOLENCE
J'ai détruit quinze ans de création, ce qui a peut être été un avantage, mais dur à vivre. La dernière sculpture porte probablement toutes les autres. J'ai manqué de « professionnalisme » en archivant très peu ou mal mon travail. Depuis quelques années, on s'en occupe à ma place. J'accepte le procédé. Parfois, j'ai l'impression que ce que je pensais avoir raté ou réussi n'est qu'un rêve, une projection fantasmatique. Si on me dit que mon art est masculin, c'est tout simplement parce qu'il n'est pas féminin.
Quand la scène artistique s'est ouverte aux femmes, elle s'est engagée avec la complicité des hommes sur la voie de l'intimité et des représentations féminines. Cet aspect ne m'intéresse pas. Mon art n'est pas masculin comme par exemple celui de Dewar & Gicquel, il ne se sert pas des attributs du masculin, des activités comme la boxe, la batterie, la pêche. Mais si on veut, on peut dire que ma sculpture est virile. La confrontation à la matière y est directe et violente. Mon grand modèle est Rodin, je trouve extraordinaire les orbites des yeux du Balzac, c'est la première grande sculpture moderne. C'est vrai qu'il y a peu de femmes sculpteurs qui se confrontent aussi violemment à la matière. Parfois j'ai envie de citer d'autres artistes que j'admire comme Bernard Réquichot ; je le contiens, mais je ne le cite pas. Ce n'est pas pareil de contenir un artiste, de le commenter, ou de le citer. Commenter implique une distance que je ne veux pas avoir, et lorsque je la perçois chez les autres ça m'ennuie profondément. C'est précisément de l'art qui ressemble à de l'art. J'essaie de faire de l'art qui sorte de l'entre-soi tout en refusant de faire quelque chose qui séduit le public, qui devienne un « procès au monde ». Ce n'est pas évident, mais cela laisse beaucoup de place à l'objet. Je ne supporte pas la énième peinture minimaliste un peu écornée. C'est un plaisir d'érudition. Quel choix possible y a-t-il en dehors de cela ? Celui de l'action politique qui positionne le spectateur, mais ça, ça ne m'intéresse pas non plus. Je suis persuadée que l'art doit contenir du politique, mais pas s'en servir. J'ai des préoccupations qui ne sont pas forcément des « opinions » sur mon époque. Je nomme souvent mes pièces a posteriori, et quand je les qualifie de « post-Tchernobyl », c'est de manière rétroactive. Maintenant, je donne des titres à mes sculptures, mais le titre a longtemps été l'objet d'une réflexion car titrer les œuvres par un concept, c'était leur enlever beaucoup de leur qualité énergétique. C'était les encadrer, les précéder. C'était aussi trop présent. J'ai donc évacué cela. Et puis une sculpture en donne une autre. Je me suis dit qu'un titre devait avoir la force d'un prénom. Finalement, je les ai peu à peu appelées par ce qui est l'équivalent d'un prénom, qui n'a aucun sens s'il n'est pas porté. Elles ont d'ailleurs des titres que j'oublie la plupart du temps. Pour les plots de chantier, je prends le nom de l'entreprise que je détourne et améliore. Cela part aussi de fautes de frappe, de défauts de prononciation. Ce sont des noms de baptême, mais j'ai mis du temps à les trouver. Les poubelles sont les seules à ne pas avoir de titres car j'aime dire « les poubelles », « Tiens on ressort les vieilles poubelles ».
TRAVAILLER AVEC DES MATÉRIAUX ORDINAIRES
Je ne crée pas par série. Je dirais plutôt qu'il y a des genres sur lesquels je reviens. Depuis 1995, j'adore travailler le polystyrène qui me rappelle des matériaux pérennes comme le bronze car tu ne t'en débarrasses pas. Dans les années 90, ce n'était pas bien reçu de travailler ce genre de matériau car l'art qui circulait et se vendait, peut-être, était, paradoxalement, un art de l'éphémère qui avait les qualités de la précarité, mais avec une plus-value symbolique. Pourtant, quand on adore une pièce de Filliou faite d'un balai et d'un seau, c'est aussi précaire et mélancolique qu'un polystyrène avec des chaînes de vélo. Le vide visuel est peut-être plus difficile à saisir. Il faut donc construire un mythe autour de cela. Lors d'une exposition à Tours, un collectionneur m'a insulté en voyant mon travail. Ce jour-là, j'ai compris pourquoi je faisais de la sculpture. On peut mettre n'importe quoi sur une toile, les gens ne sont quasiment pas choqués car le cadre est fixé, mais ce pauvre objet (c'étaient deux plots de chantier) que je présentais, et qui n'avait en soi aucune signification violente, ne pouvait pas être regardé car il était lui-même violent. Le tableau est toujours possible alors que la sculpture se situe plutôt du côté de l'impossible, du difficile sans doute parce que du côté du réel. La présence du contemporain se situe selon moi dans la sculpture et j'ai toujours cherché intervenir sur la matière. Le ready-made reste à mon sens un moment de génie et comme tout moment de génie, il est inutile de le reproduire. Tous ces artistes qui refont cela aujourd'hui, c'est une plaisanterie. J'appelle cela de « l'art loisir et création ». Lorsqu'on va voir les readymades de Duchamp, on a vraiment besoin de fétichisme sinon on ne les regarde pas. On fait un petit pélerinage pour voir une relique. Et là, on se rend compte de l'ampleur du montage (celui du musée) comme quand on va voir une relique avec tout ce que cela comporte. La relecture du ready-made de Duchamp n'a donc même pas la pauvreté, l'audace de la relique. Duchamp, lui, était très juste dans ses choix. Il ne s'est pas trompé. J'ai appris avec Duchamp, mais j'ai compris avec Degas (la danseuse) qui tout de même habille un bronze excrémenteux d'un jupon de tulle. C'est en regardant des films de science-fiction comme Terminator que j'ai vu la sculpture que je faisais. Le mur de Vénilia vient de là ; c'est le passage du liquide au solide. C'est du morphing fait à la maison ! En faisant les poubelles, j'ai pensé aux Aliens. La science-fiction se situe pour moi dans la poubelle, c'est une science-fiction organique, pas technologique. Je pense que je fais une oeuvre qui se répète. Les poubelles, par exemple, j'en ferai toute ma vie. C'est un peu comme Rodin qui a fait toute sa vie les mêmes gestes avec des sujets différents. La répétition, ce n'est pas la même chose que de faire systême. Je ne pourrai jamais faire d'environnements contrairement à Jessica Stockholder qui est une artiste de la conquête. Moi, je suis une artiste du sillon, je creuse ce que je fais. J'aime la démesure et je n'aime pas les choses installées qui donnent un aspect petit-bourgeois. Je veux travailler avec des matériaux ordinaires, toujours trouvables à côté de chez soi. J'ai récemment réalisé des sculptures avec une table d'accouchement, des déambulateurs et des fauteuils roulants. Ce sont des objets qui nous laissent sur place. Ils nous sidèrent et nous obligent à nous fixer. Ils s'opposent à la fluidité, à la rapidité. Par rapport à l'unité de la sculpture, leurs mesures ergonomiques sont justes. Et puis la vieillesse, c'est probablement le prochain âge créatif et obscène. La psychanalyse, comme l'art, fait apparaître ou disparaître des diagnostics, des comportements. Lorsque je parle d'hystérie à propos de mon travail, c'est à travers des rencontres, des coïncidences intellectuelles. Je me suis demandé quelle était la figure la plus appropriée à l'art que je faisais, et l'hystérie m'a fascinée car on dit que c'est un état qui pousse hors de soi. Elle n'est plus trop évoquée aujourd’hui, mais ses anciennes représentations montrent des corps figés s'apparentant à de la pierre. C'est pour cela que j'aime faire cette analogie. Je fige de l'énergie, il faut donc que ça sorte de soi, que ce soit jubilatoire.
CHAMP DES REFERENCES ?
Mon champ de références est planté d'un cimetière avec des disparus, des fantômes et d'un supermarché. Du vivant, des morts et des esprits. Le point commun entre ces espaces est le rangement dans les allées pour le cimetière, dans les rayons pour le supermarché. Dans les disparus qui me laissent dormir en paix : une sculpture de Fontana, une danseuse de Degas avec tutu par exemple. Dans la série fantômes qui me hantent : des feutres de Morris, une boule tricotée par R. Truckel, une belle chatte de Séchas, un tableau de Mondrian avec un fond bleu "de Delft" et de l'adhésif de couleur. La rencontre de la pauvreté et de la jubilation dans l'œuvre d'Oïticica. Manzoni fut pour moi une figure fascinante et dynamique dont j'ai cru longtemps envier l'avant-gardisme insolent que j'aurais voulu posséder comme on convoite une qualité naturelle injustement inaccessible. Je me suis aperçue, il y a peu de temps que c'était "le coton, les effets bandes Velpeau" le catholique enfantin et mauvais jouant avec les matériaux de la crèche qui m'intéressait chez Manzoni. Il fait partie désormais des disparus. Les fantômes sont des œuvres aux contours flous des parties détachées du tout, ça peut aller de cette matière blanche légèrement rugueuse et matte de la chatte épanouie de Séchas à un rideau éclatant de F. Gonzalez Torres. Dans la série du supermarché, je me sers, je consomme sans souci de traçabilité ; des films. Bernadette Lafond et sa cabane, pute amoureuse d'un bouc dans la fiancée du pirate, la collectionneuse idéale pour une de mes séries de sculptures. Teminator 2 rencontre d'une séquence et du mur de Vénilia. Alien 3 car j'ai parfois l'impression qu'au fond de mes poubelles fondues, deux lueurs me regardent et essaient de m'attendrir de leurs éclats mouillés. Un peu de ketchup, un peu de mayonnaise et du chocolat un jour ou l'autre je ferai une sculpture avec ces 3 couleurs en pensant à Mac Carty et une couverture au crochet de M. Kelley ou des draps noués à la Cattelan que je pourrais utiliser pour attacher une sculpture ... Mais au fond existe-t'il un élément invariant qui aurait traversé les années et les formes ? Je me posais cette question, penchée sur un texte que j'avais écrit, du coup j'ai recherché des notes j'ai regardé des cartons d'invitation. J'ai réfléchi à ce refus entêté de donner des titres jusqu'à supprimer le "sans titre" convenu dans ce cas. Je me suis aperçue que le mot sculpture était toujours présent répété inlassablement sans aucun souci d'élégance (jamais de synonyme pour éviter la lourdeur) ni aucun sens de l'humour ou du jeu. Je me suis mis à l'observer, comme on regarde attentivement un objet sous tous ces angles en essayant d'en découvrir la fonction. Je l'ai tout d'abord découvert manuscrit et avec mon écriture : un "S" simplifié séparé du mot, c'est tout de même le "S" de sorcière, représentation épurée du serpent (qui siffle) ensuite il y a le mot "CULPTURE" divisé (en isolant CUL) par le "P" muet de père ou de Pénis. Et si ce choix de la sculpture souvent pénible à réaliser trouvait son référent et son aboutissement dans son nom, écrit par moi-même de préférence.
Expositions de groupe à la galerie
Scar/face, Paris
28 juin - 04 août 2018
Expositions personnelles
2017
Des ongles noirs sous le vernis, Musée de l'Abbaye Sainte-Croix, Les Sables d'Olonne, France
La Grosse Bleue, galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico, Paris, France
2016
Plus flamme que moi, galerie Valérie Bach, Bruxelles, Belgique
2015
FIAC, Hors les murs, Jardin des Tuileries, galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico, Paris, France
Plastic Butcher, Signal, New York, Etats-Unis
Le Bayou, galerie Thomas Bernard / Cortex Athletico, Paris, France
Anita Molinero, Museo Ettore Fico, Turin, Italie
2014
Oreo 2, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Oreo, Le Consortium, Dijon, France
2013
Tarmac, le 180, Rouen, France
FIAC, galerie Alain Gutharc, Grand Palais, Paris, France
Hallali, galerie Michel Journiac, Paris, France
2012
La fiancée du pirate, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Prequel, Cycle Eternel Détour, MAMCO, Genève, Suisse
Centre d'Art Contemporain Passages, Troyes, France
2011
L'irremplaçable expérience de l'explosion de Smobby, galerie Edouard Manet, Gennevilliers, France
2009
Ultime caillou, FRAC Alsace, Sélestat, France
Galerie Alain Gutharc, Paris, France
FRAC Basse-Normandie, Caen, France
2007
Pépertinence, La Suite, Château-Thierry, France
Cocoerrance, la BF15, Lyon, France
Nucléo galerie Alain Gutharc, Paris, France
Chuuut, écouuute, la croûûûte, Le Carré, Chapelle du Genêteil, Château-Gontier, France
2006
Extrusoït, Cycle Mille et trois plateaux, MAMCO, Genève, Suisse
L'ormeau blessé, Musée Zadkine, Les Arques, France
2005
Les Ateliers d'artistes de la Ville de Marseille, France
2004
FIAC, galerie Dediby, Paris, France
2003
Le Grand Café, St-Nazaire, France
Le Parvis, Centre d'art contemporain, Tarbes, France
2002
FRAC Limousin, Limoges, France
2001
Le Spot, Centre d'Art Contemporain, Le Havre, France
2000
Galerie du Triangle, Bordeaux, France
1995
Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, Paris, France
1994
Ecole Nationale des Beaux-Arts, Dijon, France
1993
Chapelle des Lazaristes, Centre de Création Contemporaine, Tours, France
1988
Ecole municipale d'Arts Plastiques, Châtellerault, France
1985
Musée Sainte-Croix, Poitiers, France
1980
Galerie Med a Mothi, Montpellier, France
Expositions collectives
2019
Vole au vent, FRAC Basse-Normandie, Caen, France
2018
Scar/Face, curaté par Hugo Vitrani, galerie Ceysson & Bénétière, Paris France
Sculpter (faire l'atelier), La Criée, Beaux-Arts, FRAC Bretagne, Rennes, France
Discorde, fille de la nuit, Palais de Tokyo, Paris, France
2017
FIAC, galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico, Grand Palais, Paris, France
Notes for a shell, avec Tiago de Abreu Pinto, ART-O-RAMA, Marseille, France
Echelle de familiarité, Chapelle Saint-Libéral, Brive-la-Gaillarde, France
Archinature, Piacé, Le Radieux - Bézard, Le Corbusier, Piacé, France
Agora, collectif 2a1, galerie R-2, Paris, France
2016
Run, Run, Run, Villa Arson, Nice, France
Dopo i frutti, Entrepôts Armand Fabre, Marseille, France
The Past is the Past, galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico, Paris, France
Non figuratif : un regain d'intérêt ?, Abbaye Saint André, Centre d'art contemporain, Meymac, France
Your memories are our future, Palais de Tokyo et Acruch, Zurich, Allemagne
Not really really, Frédéric de Goldschmidt Collection, Bruxelles, Belgique
2015
Anatomie de l'automate, La Panacée, Montpellier, France
Résistance des Matériaux, LE-SHED, Notre-Dame-de-Bondeville, France
Genre Humain, Palais Jacques-Coeur, Bourges, France
Sèvres Outdoors, Cité de la céramique, Sèvres, France
FOMO, Sextant et plus, La Friche la Belle de Mai, Marseille, France
Dérive(s), commissariat de Romain Dauriac, Bryce Wolkowitz Gallery, New York, Etats-Unis
2014
Summer time, galerie Alain Gutharc, Paris, France
6 weeks-ends d'art contemporain, Le mètre carré, Nancy, France
Vitrines sur l'art, proposition du Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, vitrines des galeries Lafayette, Paris, France
Entrée en matière, Chambon Sur Voueize, France
L'heure des sorcières, commissariat : Anna Colin, Centre d'Art Contemporain le Quartier, Quimper, France
2013
De leur temps (4) - Regards croisés de 100 collectionneurs sur la création, Centre d'Art le Hangar à Bananes, Nantes, France
Je préfère être dérangé, Ecole du Magasin et ESAD, Grenoble, France
Collage ou l'âge de la colle, galerie Eva Meyer, Paris, France
Mon île de Montmajour, commissariat : Christian Lacroix, Abbaye de Montmajour, Arles, France
Agir dans ce paysage, Centre International d'Art et du Paysage, Ile de Vassivière, Beaumont du Lac, France
Pièces d'été, Malbuisson, France
Open sky Museum - Musée à ciel ouvert, un projet d'Eden Morfaux, Plaine de Tougas, Saint-Herblain, France
In situ 2013- Patrimoine et Art Contemporain, Eglise Saint-Etienne d'Issensac, Brissac, France
L'arbre de vie, commissariat : Gaël Charbau et Alain Berland, Collège des Bernardins, Paris, France
Retour du monde - commandes publiques autour du tramway de Paris, MAMCO, Genève, Suisse
Fondre, battre, briser, Pavillon Blanc, Centre d'art contemporain, Colomiers, France
Les artistes et le tramway de Paris, Hôtel de Ville, Paris, France
2012
Pommery : 10 ans d'expériences, commissariat : Bernard Blistène, Domaine Pommery, Reims, France
Group Show, galerie Alain Gutharc, Paris, France
L'Amour du risque / Ljubav prema riziku, Collections des Fonds Régionaux d\'Art Contemporain, Musée d'Art Contemporain / MSU Zagreb, Zagreb, Croatie
Parcours de mémoire, FRAC Franche-Comté/ La Fraternelle, Saint Claude, France
Immanence accueille AnyWhere Gallery, galerie Imanence, Paris, France
A suivre..., œuvres du Fonds Municipal d'Art Contemporain de la Ville de Gennevilliers, Ecole Municipale des Beaux-arts, galerie Edouard Manet, Gennevilliers, France
2011
Pearls of the North, Palais d'Iéna, Paris, France
Hic sunt Leones, Terra incognita, œuvres du FRAC Franche-Comté, Musée des Beaux-arts, Belfort, France
Identité et Genre, commissaire : Camille, Centre d'Art Contemporain Passages, Troyes et Slick, Paris, France
Sculpture'Elles - les sculpteurs femmes du XVIIème siècle à nos jours, Musée des années 30, Boulogne Billancourt, France
Formules, avec Juliana Borinski, Institut de Sciences de Matériaux, exposition organisée par la Kunsthalle Mulhouse Centre d'Art Contemporain La Fonderie, Mulhouse, France
Paillettes, prothèses, poubelles, commissaire : Ramon Tio Bellido, exposition avec Nina Childress et Emmanuelle Villard, Fondacion Bancaja, Castellon, Espagne
2010
Parking de sculptures, Centre d'Art Contemporain Le Confort Moderne, Poitiers, France
Rendez-vous à Shanghai, Biennale de Shanghai, Espace de l'Institut des Peintres et Sculpteurs de Shanghai, Shanghai, Chine
FIAC, Cour Carrée du Louvre, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Aires de jeux, contre-emplacements, Micro Onde CAC de l'Onde, Vélizy-Villacoublay, France
La Quinzaine Radieuse, Piacé le Radieux, Bézard Le Corbusier 777 (4), Château de Kerpaul, France
Extension du domaine de la réalité, Ecole des Beaux-arts, Rennes, France
Chassé croisé, FRAC Languedoc-Roussillon, Montpellier, France
Buy-Sellf : retour vers le futur, CAPC, Entrepôt Lainé, Bordeaux, France
2009
FIAC, Cour Carrée du Louvre, Galerie Alain Gutharc, Paris, France
A nous deux, exposition organisée par le FRAC Basse-Normandie, Caen et l'Abbaye-aux-Dames, France
Mes Dalton, Centre d'Art Contemporain La Chapelle du Genêteil, Château-Gontier, France
Rendez-vous manqué, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Volta5, galerie Alain Gutharc, Bâle, Suisse
Les plus grands artistes du XXème arrondissement de Paris, galerie Sémiose, Paris, France
La Force de l'Art 02, Grand Palais, Paris, France
2008
Anita Molinero / Cady Noland / Steven Parrino / Kelley Walker, Centre d'Art Contemporain Le Spot, Le Havre, France
FIAC, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Curiosität, commissariat : François Curlet, galerie Micheline Szwajcer, Anvers, Belgique
La dégelée Rabelais, FRAC Languedoc-Roussillon, Site du Pont du Gard, France
Downtown le Havre, Biennale d'art contemporain 'Arts le Havre 08', Le Havre, France
Art Brussels, galerie Alain Gutharc, Bruxelles, Belgique
Propositions lumineuses 2, galerie Alain Gutharc, Paris, France
2007
Capricci (possibilités d'autres mondes), Casino Luxembourg, Luxembourg
XS, Espace Mica, Rennes, commissaire Elisabeth Wetterwald, France
FIAC, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Quartier général, Digne-les-Bains, France
Made in Dole, Musée des Beaux-arts de Dole, France
La maison populaire, Montreuil, France
Modern©ité, Stroom, La Haye, Pays-Bas
Chauffe Marcel, FRAC Languedoc-Roussillon, France
2005
Know what they mean?, Chez Valentin, Paris, France
FIAC, galerie Alain Gutharc, Paris, France
2004
El arte como va el arte como viene, Circulo de Bellas Artes, Madrid, France
Les pièges de l'amour, FRAC Limousin, Limoges, France
Bienvenue à Entropia, Centre National d'Art et du Paysage, Vassivière-en-Limousin, France
2002
Love trap's, Centre d'art, Sigean, France
2000
Une suite décorative : 3ème mouvement, FRAC Limousin, Limoges, France
Une suite décorative : 2ème mouvement, FRAC Limousin, Limoges, France
1999
Les états de la sculpture, Le 19, centre Régional d'Art Contemporain, Montbéliard, France
1998
Appartement privé, Bordeaux, France
1996
Triple Axel, Le Gymnase, Roubaix, France
L\'art du plastique, Ensb-a, Paris, France
1994
Country Sculptures, le Consortium, Dijon, France
1992
Foire de Bolzano, Italie
1981
Alkema, Pontoreau,Ponchelet, Molinero, CAPC, Musée d'art Contemporain, Bordeaux, France
1978
Université du Mirail, Toulouse, France
Projets dans l’espace public
2011
Conception avec UrbanAct (Alexandre Bouton) de la station de Tram 3 de Porte de la Villette, Paris
Prix
2015
Salomon Foundation Residency Award
Enseignement
1999-2014
Enseignante à l'Ecole Supérieure des Beaux-arts de Marseille
1994
Artiste chargée d'enseignement, Université de Bogota, Colombie
1993
Résidence École Nationale des Beaux-Arts, Dijon
1993-92
Professeur invité, chargée d'enseignement, Ensba, Paris
Bourse
1990
Bourse du Fiacre, séjour d'un an à Séville, Espagne
Collections
Fonds Cantonal d'Art Contemporain, Genève, Suisse
Fonds Municipal d'Art Contemporain de la Ville de Gennevilliers
Fonds Municipal d'Art Contemporain de la Ville de Paris
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris
FRAC Alsace
FRAC Languedoc-Roussillon
Fonds National d'Art Contemporain
FRAC Basse-Normandie
Frac Bretagne
FRAC Limousin
FRAC Franche-Comté
FRAC Poitou-Charentes
Musée Sainte-Croix, Poitiers
La Piscine, Musée d'Art et d'Industrie, Roubaix
Le Consortium, Dijon
MAMCO, Genève, Suisse
Scar/face, Paris
28 juin - 04 août 2018
Expositions personnelles
2017
Des ongles noirs sous le vernis, Musée de l'Abbaye Sainte-Croix, Les Sables d'Olonne, France
La Grosse Bleue, galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico, Paris, France
2016
Plus flamme que moi, galerie Valérie Bach, Bruxelles, Belgique
2015
FIAC, Hors les murs, Jardin des Tuileries, galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico, Paris, France
Plastic Butcher, Signal, New York, Etats-Unis
Le Bayou, galerie Thomas Bernard / Cortex Athletico, Paris, France
Anita Molinero, Museo Ettore Fico, Turin, Italie
2014
Oreo 2, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Oreo, Le Consortium, Dijon, France
2013
Tarmac, le 180, Rouen, France
FIAC, galerie Alain Gutharc, Grand Palais, Paris, France
Hallali, galerie Michel Journiac, Paris, France
2012
La fiancée du pirate, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Prequel, Cycle Eternel Détour, MAMCO, Genève, Suisse
Centre d'Art Contemporain Passages, Troyes, France
2011
L'irremplaçable expérience de l'explosion de Smobby, galerie Edouard Manet, Gennevilliers, France
2009
Ultime caillou, FRAC Alsace, Sélestat, France
Galerie Alain Gutharc, Paris, France
FRAC Basse-Normandie, Caen, France
2007
Pépertinence, La Suite, Château-Thierry, France
Cocoerrance, la BF15, Lyon, France
Nucléo galerie Alain Gutharc, Paris, France
Chuuut, écouuute, la croûûûte, Le Carré, Chapelle du Genêteil, Château-Gontier, France
2006
Extrusoït, Cycle Mille et trois plateaux, MAMCO, Genève, Suisse
L'ormeau blessé, Musée Zadkine, Les Arques, France
2005
Les Ateliers d'artistes de la Ville de Marseille, France
2004
FIAC, galerie Dediby, Paris, France
2003
Le Grand Café, St-Nazaire, France
Le Parvis, Centre d'art contemporain, Tarbes, France
2002
FRAC Limousin, Limoges, France
2001
Le Spot, Centre d'Art Contemporain, Le Havre, France
2000
Galerie du Triangle, Bordeaux, France
1995
Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, Paris, France
1994
Ecole Nationale des Beaux-Arts, Dijon, France
1993
Chapelle des Lazaristes, Centre de Création Contemporaine, Tours, France
1988
Ecole municipale d'Arts Plastiques, Châtellerault, France
1985
Musée Sainte-Croix, Poitiers, France
1980
Galerie Med a Mothi, Montpellier, France
Expositions collectives
2019
Vole au vent, FRAC Basse-Normandie, Caen, France
Scar/Face, curaté par Hugo Vitrani, galerie Ceysson & Bénétière, Paris France
Sculpter (faire l'atelier), La Criée, Beaux-Arts, FRAC Bretagne, Rennes, France
Discorde, fille de la nuit, Palais de Tokyo, Paris, France
2017
FIAC, galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico, Grand Palais, Paris, France
Notes for a shell, avec Tiago de Abreu Pinto, ART-O-RAMA, Marseille, France
Echelle de familiarité, Chapelle Saint-Libéral, Brive-la-Gaillarde, France
Archinature, Piacé, Le Radieux - Bézard, Le Corbusier, Piacé, France
Agora, collectif 2a1, galerie R-2, Paris, France
2016
Run, Run, Run, Villa Arson, Nice, France
Dopo i frutti, Entrepôts Armand Fabre, Marseille, France
The Past is the Past, galerie Thomas Bernard - Cortex Athletico, Paris, France
Non figuratif : un regain d'intérêt ?, Abbaye Saint André, Centre d'art contemporain, Meymac, France
Your memories are our future, Palais de Tokyo et Acruch, Zurich, Allemagne
Not really really, Frédéric de Goldschmidt Collection, Bruxelles, Belgique
2015
Anatomie de l'automate, La Panacée, Montpellier, France
Résistance des Matériaux, LE-SHED, Notre-Dame-de-Bondeville, France
Genre Humain, Palais Jacques-Coeur, Bourges, France
Sèvres Outdoors, Cité de la céramique, Sèvres, France
FOMO, Sextant et plus, La Friche la Belle de Mai, Marseille, France
Dérive(s), commissariat de Romain Dauriac, Bryce Wolkowitz Gallery, New York, Etats-Unis
2014
Summer time, galerie Alain Gutharc, Paris, France
6 weeks-ends d'art contemporain, Le mètre carré, Nancy, France
Vitrines sur l'art, proposition du Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, vitrines des galeries Lafayette, Paris, France
Entrée en matière, Chambon Sur Voueize, France
L'heure des sorcières, commissariat : Anna Colin, Centre d'Art Contemporain le Quartier, Quimper, France
2013
De leur temps (4) - Regards croisés de 100 collectionneurs sur la création, Centre d'Art le Hangar à Bananes, Nantes, France
Je préfère être dérangé, Ecole du Magasin et ESAD, Grenoble, France
Collage ou l'âge de la colle, galerie Eva Meyer, Paris, France
Mon île de Montmajour, commissariat : Christian Lacroix, Abbaye de Montmajour, Arles, France
Agir dans ce paysage, Centre International d'Art et du Paysage, Ile de Vassivière, Beaumont du Lac, France
Pièces d'été, Malbuisson, France
Open sky Museum - Musée à ciel ouvert, un projet d'Eden Morfaux, Plaine de Tougas, Saint-Herblain, France
In situ 2013- Patrimoine et Art Contemporain, Eglise Saint-Etienne d'Issensac, Brissac, France
L'arbre de vie, commissariat : Gaël Charbau et Alain Berland, Collège des Bernardins, Paris, France
Retour du monde - commandes publiques autour du tramway de Paris, MAMCO, Genève, Suisse
Fondre, battre, briser, Pavillon Blanc, Centre d'art contemporain, Colomiers, France
Les artistes et le tramway de Paris, Hôtel de Ville, Paris, France
2012
Pommery : 10 ans d'expériences, commissariat : Bernard Blistène, Domaine Pommery, Reims, France
Group Show, galerie Alain Gutharc, Paris, France
L'Amour du risque / Ljubav prema riziku, Collections des Fonds Régionaux d\'Art Contemporain, Musée d'Art Contemporain / MSU Zagreb, Zagreb, Croatie
Parcours de mémoire, FRAC Franche-Comté/ La Fraternelle, Saint Claude, France
Immanence accueille AnyWhere Gallery, galerie Imanence, Paris, France
A suivre..., œuvres du Fonds Municipal d'Art Contemporain de la Ville de Gennevilliers, Ecole Municipale des Beaux-arts, galerie Edouard Manet, Gennevilliers, France
2011
Pearls of the North, Palais d'Iéna, Paris, France
Hic sunt Leones, Terra incognita, œuvres du FRAC Franche-Comté, Musée des Beaux-arts, Belfort, France
Identité et Genre, commissaire : Camille, Centre d'Art Contemporain Passages, Troyes et Slick, Paris, France
Sculpture'Elles - les sculpteurs femmes du XVIIème siècle à nos jours, Musée des années 30, Boulogne Billancourt, France
Formules, avec Juliana Borinski, Institut de Sciences de Matériaux, exposition organisée par la Kunsthalle Mulhouse Centre d'Art Contemporain La Fonderie, Mulhouse, France
Paillettes, prothèses, poubelles, commissaire : Ramon Tio Bellido, exposition avec Nina Childress et Emmanuelle Villard, Fondacion Bancaja, Castellon, Espagne
2010
Parking de sculptures, Centre d'Art Contemporain Le Confort Moderne, Poitiers, France
Rendez-vous à Shanghai, Biennale de Shanghai, Espace de l'Institut des Peintres et Sculpteurs de Shanghai, Shanghai, Chine
FIAC, Cour Carrée du Louvre, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Aires de jeux, contre-emplacements, Micro Onde CAC de l'Onde, Vélizy-Villacoublay, France
La Quinzaine Radieuse, Piacé le Radieux, Bézard Le Corbusier 777 (4), Château de Kerpaul, France
Extension du domaine de la réalité, Ecole des Beaux-arts, Rennes, France
Chassé croisé, FRAC Languedoc-Roussillon, Montpellier, France
Buy-Sellf : retour vers le futur, CAPC, Entrepôt Lainé, Bordeaux, France
2009
FIAC, Cour Carrée du Louvre, Galerie Alain Gutharc, Paris, France
A nous deux, exposition organisée par le FRAC Basse-Normandie, Caen et l'Abbaye-aux-Dames, France
Mes Dalton, Centre d'Art Contemporain La Chapelle du Genêteil, Château-Gontier, France
Rendez-vous manqué, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Volta5, galerie Alain Gutharc, Bâle, Suisse
Les plus grands artistes du XXème arrondissement de Paris, galerie Sémiose, Paris, France
La Force de l'Art 02, Grand Palais, Paris, France
2008
Anita Molinero / Cady Noland / Steven Parrino / Kelley Walker, Centre d'Art Contemporain Le Spot, Le Havre, France
FIAC, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Curiosität, commissariat : François Curlet, galerie Micheline Szwajcer, Anvers, Belgique
La dégelée Rabelais, FRAC Languedoc-Roussillon, Site du Pont du Gard, France
Downtown le Havre, Biennale d'art contemporain 'Arts le Havre 08', Le Havre, France
Art Brussels, galerie Alain Gutharc, Bruxelles, Belgique
Propositions lumineuses 2, galerie Alain Gutharc, Paris, France
2007
Capricci (possibilités d'autres mondes), Casino Luxembourg, Luxembourg
XS, Espace Mica, Rennes, commissaire Elisabeth Wetterwald, France
FIAC, galerie Alain Gutharc, Paris, France
Quartier général, Digne-les-Bains, France
Made in Dole, Musée des Beaux-arts de Dole, France
La maison populaire, Montreuil, France
Modern©ité, Stroom, La Haye, Pays-Bas
Chauffe Marcel, FRAC Languedoc-Roussillon, France
2005
Know what they mean?, Chez Valentin, Paris, France
FIAC, galerie Alain Gutharc, Paris, France
2004
El arte como va el arte como viene, Circulo de Bellas Artes, Madrid, France
Les pièges de l'amour, FRAC Limousin, Limoges, France
Bienvenue à Entropia, Centre National d'Art et du Paysage, Vassivière-en-Limousin, France
2002
Love trap's, Centre d'art, Sigean, France
2000
Une suite décorative : 3ème mouvement, FRAC Limousin, Limoges, France
Une suite décorative : 2ème mouvement, FRAC Limousin, Limoges, France
1999
Les états de la sculpture, Le 19, centre Régional d'Art Contemporain, Montbéliard, France
1998
Appartement privé, Bordeaux, France
1996
Triple Axel, Le Gymnase, Roubaix, France
L\'art du plastique, Ensb-a, Paris, France
1994
Country Sculptures, le Consortium, Dijon, France
1992
Foire de Bolzano, Italie
1981
Alkema, Pontoreau,Ponchelet, Molinero, CAPC, Musée d'art Contemporain, Bordeaux, France
1978
Université du Mirail, Toulouse, France
Projets dans l’espace public
2011
Conception avec UrbanAct (Alexandre Bouton) de la station de Tram 3 de Porte de la Villette, Paris
Prix
2015
Salomon Foundation Residency Award
Enseignement
1999-2014
Enseignante à l'Ecole Supérieure des Beaux-arts de Marseille
1994
Artiste chargée d'enseignement, Université de Bogota, Colombie
1993
Résidence École Nationale des Beaux-Arts, Dijon
1993-92
Professeur invité, chargée d'enseignement, Ensba, Paris
Bourse
1990
Bourse du Fiacre, séjour d'un an à Séville, Espagne
Collections
Fonds Cantonal d'Art Contemporain, Genève, Suisse
Fonds Municipal d'Art Contemporain de la Ville de Gennevilliers
Fonds Municipal d'Art Contemporain de la Ville de Paris
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris
FRAC Alsace
FRAC Languedoc-Roussillon
Fonds National d'Art Contemporain
FRAC Basse-Normandie
Frac Bretagne
FRAC Limousin
FRAC Franche-Comté
FRAC Poitou-Charentes
Musée Sainte-Croix, Poitiers
La Piscine, Musée d'Art et d'Industrie, Roubaix
Le Consortium, Dijon
MAMCO, Genève, Suisse
Bibliographie
2018
Sculpter (faire l'atelier), La Criée, Beaux-Arts, Rennes
2005
Anita Molinero, Yves Michaud : "Anita Molinero"
Brice Matthieussent : "Sans titre. À propos de la sculpture d'Anita Molinero"
Xavier Douroux : "Sans désignation fixe ou la délocalisation de la sculpture formelle"
Anita Molinero : "Comment le nom commun « sculpture » devient un nom plus sale que propre. En réponse à un extrait du texte de Xavier Douroux"
Sophie Legrandjacques : "Entretien avec Anita Molinero", co-éditions : FRAC Limousin (Limoges) ; le Grand Café, centre d'art contemporain de Saint-Nazaire ; Le Spot, centre d'art contemporain Le Havre et le Parvis, centre d'art contemporain Ibos.
Anita Molinero, Philippe Eon : "Flux tendu ou options de stock", in catalogue Les Ateliers d\'artistes de la ville de Marseille, 2005
1998
Les Marges de la vision, textes critiques 1971 -1995, Yves Michaud : "Anita Molinero", Editions Jacqueline Chambon, Nimes, 1998, p.203
1995
Catalogue de l'Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, Paris, Anita Molinero, Ramon Tio Bellido : "eau de javel", 1995
Collection XXème : 1983-1995. Douze ans d'acquisitions d'art contemporain en Poitou-Charentes, Blandine Chavanne : "Anita Molinero", Angoulème : FRAC Poitou-Charentes, 1995, p.145
1994
Catalogue de l'Ecole Nationale des Beaux-Arts, Anita Molinero : "sculptures", Xavier Douroux et Franck Gautherot : "Sans désignation fixe", Dijon, 1994
2018
Sculpter (faire l'atelier), La Criée, Beaux-Arts, Rennes
2005
Anita Molinero, Yves Michaud : "Anita Molinero"
Brice Matthieussent : "Sans titre. À propos de la sculpture d'Anita Molinero"
Xavier Douroux : "Sans désignation fixe ou la délocalisation de la sculpture formelle"
Anita Molinero : "Comment le nom commun « sculpture » devient un nom plus sale que propre. En réponse à un extrait du texte de Xavier Douroux"
Sophie Legrandjacques : "Entretien avec Anita Molinero", co-éditions : FRAC Limousin (Limoges) ; le Grand Café, centre d'art contemporain de Saint-Nazaire ; Le Spot, centre d'art contemporain Le Havre et le Parvis, centre d'art contemporain Ibos.
Anita Molinero, Philippe Eon : "Flux tendu ou options de stock", in catalogue Les Ateliers d\'artistes de la ville de Marseille, 2005
1998
Les Marges de la vision, textes critiques 1971 -1995, Yves Michaud : "Anita Molinero", Editions Jacqueline Chambon, Nimes, 1998, p.203
1995
Catalogue de l'Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, Paris, Anita Molinero, Ramon Tio Bellido : "eau de javel", 1995
Collection XXème : 1983-1995. Douze ans d'acquisitions d'art contemporain en Poitou-Charentes, Blandine Chavanne : "Anita Molinero", Angoulème : FRAC Poitou-Charentes, 1995, p.145
1994
Catalogue de l'Ecole Nationale des Beaux-Arts, Anita Molinero : "sculptures", Xavier Douroux et Franck Gautherot : "Sans désignation fixe", Dijon, 1994
