Ceysson & Bénétière a le plaisir de présenter Sanford Wurmfeld, Squares 1971-74. Cette exposition offre une rare occasion de découvrir d’importantes peintures inédites de l’artiste new-yorkais. Tout au long d’une carrière s’étendant sur sept décennies, Wurmfeld a exploré la couleur comme contenu, demeurant profondément engagé envers ce que la philosophe Susanne Langer appelait la « peinture présentationnelle ». Dans l’œuvre de Wurmfeld, la couleur, comme la musique, constitue un langage en soi, riche de potentiel expressif.
L’exposition réunit cinq toiles carrées de 48 pouces, qui montrent l’artiste à un moment charnière où il s’éloigne des toiles aux formes découpées pour développer des avancées décisives qui soutiendront son travail jusqu’à aujourd’hui. La stratégie compositionnelle de neuf grands carrés présents dans les peintures rappelle l’œuvre de Ad Reinhardt, dont l’exposition de 1966 au Jewish Museum eut un impact profond sur Wurmfeld. On retrouve déjà cette grille de neuf dans une toile découpée antérieure de Wurmfeld, II-9 Orange, datant de 1968. Cette transition des toiles découpées vers le carré reflète l’enquête soutenue de l’artiste sur les paramètres de la peinture, une recherche qui portera des fruits spectaculaires dans les années suivantes.
Les peintures présentées contiennent également les premiers exemples d’une technique qui allait devenir emblématique de l’œuvre de l’artiste. Comme Josef Albers avant lui, Wurmfeld limite son vocabulaire interne de formes à l’unité fondamentale du carré, ce qui met l’accent sur les relations chromatiques elles-mêmes. Mais les toiles de Wurmfeld sont remplies de centaines de petits carrés, chacun agissant comme un module de lumière activant les autres. La taille de ces petits carrés varie d’une toile à l’autre : ils deviennent plus grands lorsque leur contraste mutuel est faible et plus petits lorsque ce contraste est élevé. Grâce à différentes combinaisons, ils forment neuf grands carrés par toile, chacun semblant être d’une couleur unique.
Un examen plus attentif révèle que chaque couleur est obtenue par l’usage judicieux de seulement deux, trois ou quatre teintes distinctes, une technique connue sous le nom de mélange optique, dans laquelle les couleurs se mélangent dans l’œil et le cerveau plutôt que sur la palette, créant une sensation éblouissante de couleurs étranges et inédites — impossibles à obtenir par un mélange conventionnel. Initiée par Georges Seurat et Paul Signac, cette technique est poussée par Wurmfeld vers de nouveaux extrêmes, libérant tour à tour une énergie visuelle vibrante et crépitante, comme dans Study for II-3H (Full Sat), ou émergeant plus lentement avec une profonde sérénité, comme dans II-3H+Bk.
Barnett Newman insistait célèbrement sur la différence entre taille et échelle — la relation des parties au tout et, surtout, la relation entre la taille du spectateur et l’œuvre. L’échelle humaine, soulignait Newman. Study For II-4D est une peinture autonome, appartenant à un groupe de toiles carrées qui a conduit à la peinture monumentale de 1972, II-20 (Dk, Dn, N, Ln, L). Le format extrêmement large de cette dernière constitue un témoignage précoce de l’intérêt de Wurmfeld pour le balayage horizontal du champ visuel et le remplissage de la vision périphérique du spectateur. Lors de voyages familiaux en voilier, l’artiste était fasciné par l’observation prolongée de la mer ouverte, changeant sans cesse par variations chromatiques infinitésimales. Cette œuvre annonce la série ultérieure des Cycloramas de Wurmfeld, dont le quatrième est actuellement en cours de production. Les Cycloramas sont d’immenses peintures panoramiques, accessibles par le sol, où la composition n’a ni début ni fin ; un continuum d’effets colorés en mutation infinie enveloppant le spectateur.
Le critique John Yau a observé à propos de l’œuvre de Wurmfeld : « nous ne changeons pas l’objet en le regardant. Voir est plutôt un acte temporel. » L’expérience du spectateur s’approfondit et se transforme avec la durée ; il apparaît alors que les petits carrés ne se mélangent pas seulement optiquement pour former de grands champs colorés, mais interagissent aussi à un niveau granulaire par contraste simultané, principe selon lequel une couleur donnée peut apparaître différemment selon son environnement. Il devient difficile de discerner quelles couleurs sont « factuellement » — empiriquement — différentes les unes des autres, et lesquelles sont « réellement » — apparemment — différentes, pour paraphraser Albers. Notre conviction quant à la véracité de notre propre perception commence à vaciller. Peut-être que voir n’est pas croire. Le résultat global est envoûtant — d’abord saisissant et réjouissant, puis appelant à être « déchiffré », avant que l’enquête ne soit absorbée par les sensations, moment où le spectateur abandonne toute résistance et se laisse porter.
Jeremy Gilbert-Rolfe, dans sa critique publiée dans Artforum à propos d’œuvres de cette série exposées à la Denise René Gallery en 1974, notait : « il semble tout à fait dépourvu de paradoxe de dire que les peintures de Wurmfeld semblent se peindre elles-mêmes. Le paradoxe réapparaît une seconde plus tard, lorsque l’on reconnaît que la peinture se maintient grâce à des phénomènes à la fois impersonnels et intuitivement déterminés. » Cette tension entre les pôles, entre pensée rationnelle et ineffable, est centrale dans l’œuvre de Wurmfeld. Un système de variables choisies par l’artiste confère à l’œuvre son caractère singulier. Une fois le système activé — autrement dit, expérimenté par le spectateur — les phénomènes impersonnels et scientifiques commencent, bien qu’ils soient perçus différemment par chaque observateur. La structure n’est pas l’essentiel ; ce sont plutôt ses effets qui importent. Les peintures sont, selon les mots de Yau, « esthétiquement raffinées, mais profondément humaines ».
Pédagogue célébré, Wurmfeld a commencé à enseigner animé par l’idée que l’acte d’enseigner l’art enrichirait non seulement le travail des étudiants, mais aussi celui du professeur lui-même. Toute personne appartenant aux générations d’étudiants passés par le célèbre Color Seminar de Wurmfeld témoignerait de la remarquable porosité entre le travail théorique et la pratique en atelier de l’artiste. En effet, lui et ses collègues du département d’art du Hunter College Art Department, que Wurmfeld dirigea pendant des décennies, finirent par être connus sous le nom de « Hunter Color School », tant leur intégration de la théorie et de la pratique était profonde. Dans ses cours, Wurmfeld démontrait que la vision des couleurs peut être enseignée et développée, et que la sensibilité de notre regard peut être affinée. Il y a toujours davantage à voir, comme en témoignent ces œuvres.
Erik den Breejen, 2026
Sanford Wurmfeld (né en 1942 dans le Bronx, à New York) expose ses œuvres, tant lors d'expositions personnelles que collectives, depuis la fin des années 1960. Ses travaux figurent dans des collections du monde entier, notamment celles du Solomon R. Guggenheim Museum, du Metropolitan Museum of Art, du Brooklyn Museum, du Philadelphia Museum of Art, du Karl Ernst Osthaus-Museum, du Sprengel Museum, de l’Espace de l’Art Concret, ainsi que dans la collection de la ville de Hanovre (Allemagne).
En 2013, il a fait l'objet d'une importante exposition rétrospective couvrant 45 ans de création, intitulée *Sanford Wurmfeld: Color Visions, 1966-2013* ; organisée par William C. Agee, celle-ci s'est tenue à la Hunter College/Times Square Gallery de New York. Il a également présenté des expositions personnelles au Neuberger Museum of Art, à la Tibor de Nagy Gallery, à la Galerie Denise René, à la Susan Caldwell Gallery, à la David Richards Gallery, chez Minus Space, au Bard College, à la Maxwell Davidson Gallery, au Karl Ernst Osthaus-Museum (Allemagne), à la Mucsarnok Kunsthalle (Hongrie), à la Talbot-Rice Gallery (Écosse) et à la Ewing Museum Gallery (Knoxville, Tennessee).
Après avoir obtenu son diplôme du Dartmouth College en 1964 — une licence en histoire de l'art —, Wurmfeld s'est installé à Rome où il a consacré deux années à la peinture avant de regagner New York, ville où il vit et travaille depuis lors. En 1968, il fut le plus jeune artiste représenté dans l'exposition historique *Art of the Real 1948-68*, organisée par Eugene Goossen au Museum of Modern Art (MoMA) de New York. Au cours des deux années suivantes, cette exposition a voyagé au Grand Palais (France), au Kunsthaus (Suisse) et à la Tate Gallery (Londres, Angleterre). Parmi les autres expositions collectives auxquelles Wurmfeld a participé au sein d'institutions muséales, citons la Carnegie International, l'American Academy of Arts and Letters, le National Academy Museum, le Visual Arts Center of New Jersey, le Dayton Art Museum, l'Akron Art Museum, l'Allentown Art Museum, le Long Beach Museum of Art, le New Bedford Art Museum, le Karl Ernst Osthaus-Museum (Allemagne), l’Espace de l’Art Concret (France) et le Museo de Arte Contemporaneo de Buenos Aires (Argentine).
En complément de sa pratique d'atelier, Sanford Wurmfeld a donné de nombreuses conférences et a abondamment écrit sur l'histoire de la couleur, de la peinture et de l'abstraction. Il a reçu des distinctions de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, du National Endowment for the Arts, de la City University of New York et du Dartmouth College.
Outre son travail artistique, Wurmfeld a enseigné au département d'art du Hunter College de 1967 à 2012, où il a formé et encadré d'innombrables générations d'artistes. Initialement invité à rejoindre le corps professoral par les artistes Tony Smith et Ray Parker, ainsi que par le critique Eugene Goossen, Wurmfeld a dirigé le département de 1978 à 2006 et a fondé le prestigieux programme de MFA du Hunter College en 1981.
