サマーショー：折り（プリ）

「絵画の問いとは、単に『折り（プリ）』の問いに過ぎないのかもしれない」――かつてシモン・アンタイ（Simon Hantaï）はそう記した。彼の作品は、折り畳み（プリアージュ）が持つ可能性を、実り豊かな急進性をもって探求し尽くした。 多忙を極めた一年の締めくくりに、セッソン＆ベネティエール・パリ・ギャラリーは、夏の展覧会として、造形的・概念的・詩的なこの概念、すなわち「折り」、そしてその延長線上にある「衣襞（ドラパリー）」をテーマに掲げる。世代の異なる10人のアーティストが集結し、この古より伝わるモチーフがいかに極めて多義的であるかを証明する。

素材の一部がそれ自体の上に折り返され、うねりや痕跡を生み出す。布の「折り」は、作品の構成にリズムを与える視覚的な仕掛け（トラップ）として現れる。それは時に支持体であり、時に素材そのものでもあり、またある時は、絵画的あるいは彫刻的な「体積の錯覚」を創り出すための、アーティストの卓越した技巧を誇示する口実ともなる。 本展に集ったアーティストたちは、錯覚的な次元から、触知可能な三次元の実在に至るまで、「折り」と「衣襞」が持つ多彩な造形的可能性を体現している。彼らの作品を通じて、「折り」はまず素描や写真という媒体を通じて身体の表象と密接に結びつき、やがてそこから徐々に解き放たれて、作品の主役へと躍り出る。それは物理的に、あるいは比喩的に、創造の身振りの痕跡を留め、素材・形態・そして「ネガ」として存在する身体の記憶との間の、生きた対話を証言しているのである。

まず思い起こされるのは、ルネサンス以降、形態的技巧の演習や研究対象として、またアルベルティが「ヒストリア（物語）」と呼んだ情念を伝える媒体として確立された、古典的な衣襞である。ジャン＝リュック・ヴェルナ（Jean-Luc Verna）にとって、素描は単なる準備段階の習作ではない。それは彼の全実践を支える背骨である。精緻で制御された身振りによって、彼はアカデミックな規範を換骨奪胎し、素描を一種の「逸脱」の空間へと変容させる。

衣襞が持つ劇的な緊張感は、ムニール・ファトミ（mounir fatmi）によるミケランジェロの『ピエタ』の再解釈において、精神的、あるいは神秘的な広がりを見せる。ケーブルで構成された「悲しみの聖母」は、人間同士のコミュニケーションであると同時に、地上と神聖なものとの交信をも想起させる。衣襞のダイナミズムは、劇的な修辞学をもって鑑賞者の視線を導くのである。 コラディーニの『慎みの寓意（1752年）』に見られるように、アーティストは逆説的に、肉体を覆うことで、欲望の示唆とともにそれをより鮮明に露わにする。この緊張感を継承するのが、アングルの『グランド・オダリスク』を再解釈したオーラン（ORLAN）である。ここでは布地が、ジェンダーのステレオタイプや女性性の象徴、そして美術史から受け継がれたイメージ群を考察するための媒体となる。婚礼道具（トゥルソー）のシーツという、この「生きた作品」の素材は、個人の歴史と西洋の視覚的遺産が交差する点において、内密かつ批評的な物語を内包している。

身体に密着し、やがてそれと混同されるまでに至った「折り」は、最終的に身体に取って代わり、その行為を比喩的に想起させるようになる。このアプローチにおいて、折り重なる襞は「不在」を象徴する。それは身体を見せることなく体現する、換喩的な刻印となるのだ。ウィルフリッド・アルメンドラ（Wilfrid Almendra）による、金属で鋳造された超写実的な汚れた靴下は、日常の断片を、停止した時間の中に封じ込めたかのようである。この「偽りの柔らかさ（faux mou）」を通じて、アーティストは美の規範やアカデミックな衣襞の伝統を巧みに逸脱しながら、私たちの知覚の指標を揺さぶる。

1970年代以降、「シュポール／シュルファス」の芸術家たちは、絵画を解体するプロセスの中に「折り」の操作を取り入れた。これは、身振りと絵画表面の関係を根本的に更新したシモン・アンタイの研究を延長させるものであった。パトリック・セトゥール（Patrick Saytour）の作品では、身体が折り畳みを通じてキャンバスの全表面を占拠し、それはほぼ彼の両腕を広げた幅に相当する。折り畳まれ、再び広げられたキャンバスは、その運動の痕跡を捉え、素朴な制作過程を可視化させている。

建築塗装の現場で使われる安価な素材であるタルラタン（粗い平織りの綿布）は、1969年以来、ノエル・ドゥラ（Noël Dolla）の仕事を支えてきた。乾燥を挟みながら繰り返される浸染によって彩られた布は、折り畳まれ、広げられ、再び折られるという素材の論理に委ねられる。色彩の層は、物語も感傷も排した絵画として構成され、そこでは作家の意図が行為そのものに道を譲る。彼の教え子であるダヴィッド・ラフィニ（David Raffini）は、シリーズ『Brumes et ondoiements（霧とうねり）』においてこの思考を継承している。自由なキャンバスの一枚一枚に、彼の身振りの記憶が刻まれている。彩色された布は、アーティストの感性的な存在感と、身体の屈曲がもたらした衝撃を留める抽象的な風景となる。「折り」は、現実には平面的である表面に三次元的な錯覚を与え、それを一つの「物体」へと変容させる。

オーレリー・ペトレル（Aurélie Pétrel）の作品では、放置された映画館のカーテンのクローズアップという単純な撮影行為を通じて、衣襞そのものが主題となる。文脈から切り離され、写真に収められた「折り」は、展示空間において再構成される。それは自己言及的で抽象的なイメージであると同時に、これから始まるフィクションの象徴として、物語を始動させる装置（トリガー）となる。

このように、本展における「折り」は、身体の表現性を感性的に体現するものとして立ち現れる。そこには、アカデミックな衣襞とは一線を画す、自発性と偶然性の余地が残されている。当初は人間の形態の表象と密接に結びついていた「折り」は、次第にそこから自立し、身振りの痕跡だけを保持しながら、ついには作品そのものの主題となるのである。

マラ・ディ・マジオ - Mara Di Maggio